Untitled

VALORES// de Valparaiso à Paris

2011-10-31T10:02:00.000-07:00

Dimanche 6 Novembre 2011 à 17h
dans le cadre de Jeune Création au 104, Paris

VALORES // De Valparaiso à Paris de Clio Simon
Performance vidéo satirique (45 min, Chili)

Sur scène, un bonimenteur derrière un pupitre, un casque audio d’où s’échappe la voix de l’auteur, cinq vidéos.
Ce premier chapitre d’un Manuel de survie s’échafaude sur la structure du Scénario. Clio Simon tisse des récits, des évènements politiques et sismiques liés à la fraude et aux valeurs. Si cette performance satirique se clôture à la manière d’une fable où l’alouette se fait plumer entièrement, elle pourrait commencer par « Il était une fois... ».

Leïla Simon, Untitled

Auteur / Réalisatrice : Clio Simon

Bonimenteur : Quentin Maussang

Voix du casque : Clio Simon

Mixage son : Florian Namias

Mise en lumière : Chloé Gallen

Pupitre : Eden Morfaux

Productions : CRAC de Valparaiso (Chili) - La Résonance de la Toupie & Clio SIMON

Aides : Paris Jeunes Talents

+ d'infos :

http://www.wix.com/cliosimo8/cliosimon

Se rendre à Jeune Création au 104 :
5, rue Curial - 75019 Paris
Métros Riquet ligne 7 ou Stalingrad lignes 2,5 et 7

Entrée gratuite pour VALORES// De Valparaiso à Paris
Entrée de 5€ pour l'exposition

Untitled à Brochage Express

2010-06-03T07:44:00.001-07:00

Untitled / 1:1

eden morfaux + clio simon + whiteweekendkites

une exposition proposée par le collectif Untitled

à l'Espace Brochage Express, Paris, du 5 juin au 27 juin 2010

Finissage Dimanche 27 juin 2010 de 16h à 20h

L’Espace Brochage Express a invité le collectif Untitled à présenter une exposition avec pour fil conducteur « qu’est-ce-que le commissariat d’exposition ? ».

Untitled a souhaité créer, non pas une exposition en sélectionnant des œuvres déjà existantes, mais un univers élaboré grâce aux discussions, aux échanges entre les commissaires et les artistes. Untitled a proposé à Eden Morfaux, Clio Simon et Whiteweekendkites, trois artistes pluridisciplinaires ayant leur propre spécificité tout en se rejoignant sur certains points, de participer à ce projet.

Les commissaires et les artistes peuvent et doivent être chacun un élément sujet/anti-sujet, question/réponse : une relation d'égale à égale sans aucune hiérarchie. Les discussions ont permis de développer le concept puis de réaliser Untitled / 1:1.

Suite à ces échanges il a été choisi de concevoir un scaling : « une boîte dans une boîte » afin de préciser un espace à part, un interstice du réel et du virtuel. Ce scaling, construit à l'échelle 1 de l'espace mais en rotation de 30°, s'insère dans Brochage Express. De structure visible, il accueille les œuvres créées pour cette occasion, offre un univers dans lequel le spectateur peut pénétrer. Eden Morfaux présente Structure, Clio Simon un enregistrement sonore Quelque chose ne fonctionne pas et Whiteweekendkites une vidéo.

Untitled

Vernissage le samedi 5 juin 2010 de 16h à 21h,
Performance d’Asami Nishimura Rosé à 20h.

Visite avec les artistes et les commissaires d'exposition le samedi 26 juin à 16h.
Finissage le dimanche 27 juin de 16h à 20h en présence des artistes.

Jours et horaires d'ouverture :
Le samedi et le dimanche de 14h à 20h
Et sur rendez-vous

Contacts :
Leïla Simon leila.untitled@gmail.com
Kana Sunayama kana.sunayama@gmail.com

Adresse :
Espace Brochage Express
Au fond de la cour à droite
146, Boulevard de Charonne
75020 paris
Métro : Alexandre Dumas, ligne 2

Communiqué de presse
Dossier de presse

Untitled à Eac Les Roches

2009-12-09T02:32:00.001-08:00

Vue de l'exposition de Antoine Aguilar, Mediatic Desert, à L'Espace d'art contemporain Les Roches, Chambon-sur-Lignon en 2009. Crédits photographiques Rebecca Sanuela.

Cette année 2009, l'Espace d'art contemporain Les Roches a invité le collectif curatorial Untitled à réaliser le commissariat de l'exposition d'été.

Untitled présente un exposition personnelle de Antoine Aguilar constituée essentiellement d'œuvres produites pour l'occasion.
Exposition du 12 juillet au 30 août.Entrée libre

Mediatic Desert

Pour plus d'information vous pouvez vous rendre à la rubrique Antoine Aguilar dans ARTISTES.

Le catalogue de l'exposition Mediatic Desert sous format pdf est à votre disposition. Cliquez ici.

articles sur l'exposition :
La Tribune Le Progrès le 7 août 2009
Gala n°858 le 18 novembre 2009

Asami Nishimura CV

2009-12-09T02:30:00.001-08:00

Née le 14 janvier 1982 à Tokyo (Japon)
Vit et travaille à Paris

Formation

2004/2009
Diplôme DNAP / Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris

Expositions

2008
Premier Vue, curated by Michel Nuridsany,Passage de Retz, Paris
Portes ouvertes, Ecole Nationale Supérieure des Beaux- Arts, Paris
Crazy, Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts, Paris

2007
Collection Printemps / Eté 2008, Fondation EDF, Espace EDF Electra, Paris
Paris-Hanoi Hanoi-Paris, L’Espace - Centre Culturel Français de Hanoi, Hanoi

2006
C’est à côté, Musée d'Art Contemporain du Val de Marne MAC/VAL, Vitry-sur-Seine
Gallery Rue Lemon, Berlin
Portes ouvertes, Palais des études, Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts, Paris
Pirot Gallery, Serbia
Deux jours deux nuits, organized by art 3 art, Eglise Saint-Sulpice, Paris
La Force de l’Art 01, invited by Claude Closky, Grand Palais, Paris
Prototype café, Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts, Paris

2005
Portes ouvertes, Ecole Nationale Supérieure des Beaux- Arts, Paris
Missing Summer, Kyozon, Tokyo
Tokyo Hollywood Ranch Market, organized by Art Front Gallery, (Prix exceptionnel de jury pour installation “Mizukiki“ à Tokyo)

2004
Japan is not only Sushi, Point Ephémère, Paris

2003
Japan is not only Sushi, Point Ephémère, Paris

2002
Dessins, Luke, Tokyo

Hélène Rivière

2009-12-09T01:54:00.001-08:00

LIGNES DE CHANCE à la Fondation d'entreprise Ricard
Actualité du dessin contemporain

Une proposition de Bernard Moninot et François Bouillon
Avec Alex Besikian, Céline Biewesch, Jean-Baptiste Calistru, Claire Chandelier, Marie-Anna
Delgado, Théodora Fragiadakis, Julie Fruchon, Judith Guibert, Kristina Heckova, Marc Johnson,
Tshituka Patricia Kutendakana, Anne Leclerc, Marlène Mocquet, Juliette Mogenet, Adèle Occuly, Aurore Pallet, Luna Picoli-Truffaut, Hélène Rivière, Lionel Sabatté, Julien Segard, Augustin Steyer, Xue Sun, Fanny Terrier, Lei Xie, Anaïs Ysebaert

Exposition du 9 au 28 mars 2010
Entrée libre du mardi au samedi de 11h à 19h
Visites guidées chaque mercredi à 12h30
et chaque samedi à 12h30 et 16h

Hélène Rivière CV

Née en 1982, vit et travaille à Paris
http://www.heleneriviere.net

CURSUS
Diplômée avec les félicitations du jury de l’Ecole Nationale Supérieure des Beaux-arts de Paris, DNSAP, 2004/2008
Echange de quatre mois à la Kyoto University of Arts, Japon, octobre 2006/janvier 2007
Diplômée de l’Ecole Supérieure des Beaux-arts de Toulouse, DNAP, 2001/2004

EXPOSITIONS
2009
Kiosques Images, Paris
La mort ça s’organise !, La Générale en Manufacture, Sèvres
Fables & Fragments, Exposition des félicités 2008, Galeries d’exposition de l’Ecole Nationale Supérieure des Beaux-arts de Paris
2008
New-Fangled, Main Gallery, Las Vegas, USA
Free for All, The Helm Gallery, Tacoma, USA
Off Line, Phoenix Gallery, Brighton, Royaume-Uni
Salon d’Art Contemporain de Montrouge
Galerie Droite, ENSBA, Paris
2007
Parcours d’artistes, Ville de Pontault-Combault
Portes Ouvertes, ENSBA, Paris
Galerie Droite, ENSBA, Paris
2006
17th Foreign Students Exhibition, Kyoto Art Center, Japon
LOCA, Kyoto City University of Arts, Japon
Artskool Goz South, Galerie Do Palacio, Musée de la ville de Porto, Portugal
Galerie Droite, ENSBA, Paris
Artskool Goz South, Galerie JTM, Paris
2005
Être Dans, Institut Finlandais, Paris
2003
Galerie du quai, École Supérieure des Beaux-arts de Toulouse

BOURSE / PRIX
Prix Roger Bataille, 2009
Prix de dessin Diamond, 2007
Bourse Colin-Lefranc pour un échange de quatre mois à la Kyoto City University of Arts au Japon, 2006

PUBLICATIONS
Fables & Fragments, catalogue des diplômés avec les félicitations du jury , éd. des Beaux-arts de Paris, 2009
Catalogue des diplômés 2008, éd. Beaux-arts de Paris, 2009
53ème Salon d’Art Contemporain de Montrouge, catalogue de l’exposition, 2008
Parcours d’Artistes, catalogue de l’exposition, ville de Pontault-Combault, 2007
Artskool Goz South, catalogue de l'exposition au Musée de la ville de Porto, 2006

Dark Pearl / collaboration Untitled

2009-09-08T08:18:00.000-07:00

Le collectif curatorial Pilottti a invité Untitled à collaborer à Dark Pearl / Kraken, à la Générale en Manufacture de Sèvres.
A cette occasion, Untitled a proposé une oeuvre conçue pour l'occasion par les architectes de Whiteweekenkites (Yoichi
Ozawa / Jean-Philipp e Sanf ourche / Taichi Sunayama).

Exposition du 25 au 27 mai 2009

Vaporous boundaries Unsorted Scene, 2009

En savoir plus :
http://www.whiteweekendkites.com/

La Force de l'Art 02 / Les Invités

2009-09-08T08:16:00.001-07:00

Untitled a participé au programme "Les Invités" à l'occasion de La Force de l'Art 02, au Grand Palais à Paris. A cette occasion, Untitled a proposé deux performances, une de l'artiste plasticienne, Asami Nishimura et une deuxième avec la danseuse Bérengère Valour et le clarinettiste Joris Rühl.

"La cerise sur le gâteau" d'Asami Nishimura : le samedi 9 mai à 16h30 au Grand Palais

Asami Nishimura, performance la cerise sur le gâteau
par laforcedelart

"._.." de Bérengère Valour et Joris Rühl : le dimanche 17 mai à 15h30 au Grand Palais.

._.. Performance Bérengère Valour et Joris Ruhl
par laforcedelart

Akiko Hoshina CV

2009-07-12T03:18:00.001-07:00

Akiko Hoshina
Vit et travaille à Paris

Formation et Résidences

2008-2009 Résidence à la Cité des Arts à Paris
1999 Assistante du photographe Sigeo Anzaï, Japon
1996 Maitrise de Céramique
1994-96 Ecole des Beaux-Arts,Master,　Ecole des Art et Design, L'Universite JOSHIBI d'Art et Design
1994 Licence des Céramique
1991-94　Département artisant, Ecole des Art et Design, L'Universite JOSHIBI d'Art et Design

Expositions personnelles

2009 Installation céramique et photo "Goron en voyage", le Bleu fouillis des mots, Châteauroux, France.
Installation céramique et photo "Goron en voyage Des funérailles", Cité Internationale des Arts, Paris, France.
2007 Installation d'argile, "GURU GURU MAKI project",Voin Pahoin, Yokohama.
2006 Installation d'argile et ateliers "gurugurumaki project", résidence d’artistes. BankART studioNYK, Yokohama
2005 Installation de céramique, "te", Galerie Gen, Tokyo.
2004 Installation de céramique, "OHANAMI-GORON", Jardin du Temple Ichigyoin, Tokyo.
2003 Installation de céramique "GORON-GORON-GORON" Galerie GEN, Tokyo.
2002 Project"Biable art window Show" Installation de céramique "GORON-GORON-GORON",DESPERADO, Tokyo.
1999 Installation de céramique “RELACLAYTION”, Ginza Matsuya, Tokyo.
1998 Installation de céramique “RELACLAYTION”, Ginza Matsuya, Tokyo.

Expositions collectives

2009 "Biennale de la céramique internationale" de Châteauroux, France.
2007 "ART LOOP", Musée plein air d'Hakone, Kanagawa.
2005 "LOVE ART! 2005", Prom art galerie, Aoyama Tokyo Yoko Arakawa office produce.
2003 "Art foire Daikanyama", HILLSIDE FORUM, Tokyo.
"LOVE ART! 2003" Prom art galerie, Aoyama, Tokyo Yoko Arakawa office produce.
2000 "Festival d’art au temple”, Kanazawabunko, Yokohama.
1999 "IMAGINART", Ito Atelier, Ginza Matsuya, Tokyo.
“Exposition de plans des projets pour Installation de Daikanyama”, HILLSIDE FORUM, Tokyo.
“Window’s exhibition”, Banque d’Hachijyuni Hachioji,Tokyo.
1997 “5eme Triennale Mondiale De La Petite Céramique”, Zagreb Croatia.
1995 “Exposition d’Art Internationale des Universites, Hiroshima’95”, Hiroshima.
“TOU”, Azabu Kougei Kan, Tokyo.
1994 “DAICHI WO HAKU”, Galerie Muramatu, Ginza, Tokyo.
1992 “EGGS”, Art Space Core, Eifukucho, Tokyo.

Collections publiques

2002 "GORON-GORON-GORON", Parc des Beaux-arts, Prefecture d’Ibaragi, Japan.
1997 "Nagachyo-appartement", installation dans l'immeuble de la Préfecture d’Ibaragi, Japan.
1994 "Tunagu", Musée de Université JOSHIBI d' Art et Design, Kanagawa.

Ateliers

2009 Atelier Guru Guru Maki, Espace Jeunes, Issy-Les-Moulineaux, France
2008 Atelier Guru Guru Maki, Musée national de la céramique de Sèvres, France
2007 Atelier d’argile, école primaire de Sakuradai , Comite d’Education a Sagamihara et NPO STspot, événememt organise par la ville de Sagamihara
"GURU GURU MAKI workshop", Musée plein air d'Hakone, kanagawa.
2006 "GURU GURU MAKI workshop", BankART studioNYK, Yokohama

Prix

Prix de la Fondation Asahi Shinbun (2009)
Prix de Paris La Fondation Omura Fumiko de Univercite JOSHIBI d'Art et Design.Résidence, Cité Internationale des Arts a Paris, France, (April 2008 - March 2009)

Prix mention Spéciale“SUMITOMO ONE ’93”, Tokyo.(August 1993)

Antoine Aguilar

2009-07-12T03:10:00.001-07:00

Vues de l'exposition de Antoine Aguilar, Mediatic Desert, à L'Espace d'art contemporain Les Roches, Chambon-sur-Lignon en 2009. Crédits photographiques Rebecca Sanuela.

Si vous souhaitez recevoir le catalogue de l'exposition Mediatic Desert, n'hésitez pas à nous le demander en nous écrivant à : leila.untitled@gmail.com

Antoine Aguilar CV

Né à Nantes.
Vit et Travaille à Paris.

Formation

1998-2004 Ecole des Beaux-Arts de Nantes

Expositions personnelles

2009 Mediatic Desert, Espace d'Art Contemporain Les Roches, France
2008 snow, Markbond project, Bern, Suisse
2006 Shifting sands, Cité Internationale des Arts, Paris

Expositions collectives

2009 Dark Pearl, La Générale en Manufacture, Sèvres
2007 Pan #04, Paris
2006 Distorsions, ANG/Galerie LH, Paris
2004 beau trait fatal, Easpace des Beaux-Arts de Nantes
2003 de la Peinture, espace Félix Thomas, Nantes
2002 el mundo esta cambiando, galerie Antonio Saura, Cuenca, Espagne
2001 les ailes du terrier, Espace d'Art Contemporain de l'Orbière, Saint-Georges des Sept Voies
1999 homme libre toujours tu chériras la mer, Amnesty International prieuré Saint Nicolas, les Sables d'Olonnes

Vue de l'exposition Mediatic Desert d'Antoine Aguilar à L'Espace d'art contemporain Les Roches, chambon-sur-Lignon en 2009. Crédits photographiques Rebecca Sanuela.

Vidéo de l'exposition à Eac Les Roches, 2009 :

Mediatic Desert
par aguilarantoine

Asami Nishimura, performance

2009-04-19T12:50:00.000-07:00

« La cerise sur le gâteau » Asami Nishimura, performance

le 9 mai à 16h30 - La Force de l'Art 02 / Les Invités - au Grand Palais

Au loin, les murs de la Géologie blanche, l’artiste toute de blanc vêtue, enfin le glaçage du gâteau présenté sur un socle : un univers totalement blanc couronné par une toute petite tâche rouge, qui grandit doucement. Aurons-nous le plaisir de goûter à cette cerise ?

Le collectif Untitled nous propose d’assister à la performance La Cerise sur le gâteau d’Asami Nishimura. Le public est confronté au changement extraordinaire d’un élément ordinaire. Nishimura se sert de situations simples pour bouleverser les codes régis dans notre quotidien et nous montrer que nos fantasmes sont des échappatoires nécessaires mais éphémères.

Actuellement étudiante à l’Ecole nationale supérieure des beaux de Paris, Asami Nishimura utilise principalement la performance comme médium dans son expression artistique. Son travail interroge les évidences de la vie quotidienne et de la pensée logique afin de faire surgir l’étrangeté et le doute tout en développant une écriture corporelle extrêmement poétique.

Asami Nishimura est née en 1982 à Tokyo. Elle vit et travaille à Paris.

En savoir plus :
www.asami.fr

Bérengère Valour et Joris Rühl

2009-04-19T12:40:00.000-07:00

« . _ .. » de Bérengère Valour et Joris Rühl, performance

le 17 mai à 15h30 - La Force de l'Art 02 / Les Invités - au Grand Palais

Le collectif Untitled nous propose d’assister à la performance « . _ .. » (code de la lettre« L » en morse), de Bérengère Valour (danseuse) et Joris Rühl (clarinettiste). Ce duo dialogue uniquement par l’échange d’impulsions sonores et corporelles suivant des codes pré définis à l’image des impulsions constitutives des messages télégraphiques. Les mécanismes propres et les conditions nécessaires à l’expérience d'adaptation à L'Autre en tant que nouvelle personne sont transposés ainsi que l’idée de l’autre en tant qu’espace ou environnement à « la typologie géologique » non familière. Ce duo cherche à réduire les distances qui nous séparent de L’Autre qui sont des obstacles à la rencontre.

Joris Rühl, clarinettiste, s'est toujours intéressé à la relation entre la musique et d’autre forme d’expression telles que l’improvisation, la performance, le théâtre et les arts visuels. Il a entre autres participé à des festivals comme le Moers festival, Fruits de Mhère, Jazz à Luz en compagnie de musiciens tels que Michel Doneda, Emmanuel Scarpa, Nils Ostendorf, Anthony Pateras, Eve Risser, enregistre plusieurs disques pour Neos Jazz, prend part à des performances aux Subsistances à Lyon, à Hundert Grad à Berlin.

Après quatre années d’études au Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Lyon (CNSMD), elle travaille comme interprète pour différentes compagnies (Jérôme Deschamps et Macha Makeieff à Paris, Sophie Tabakov à Lyon). Elle s’est également engagée dans le Collectif BWE (vidéo, son, mouvement) ainsi que Mâ, une association qui accueille des projets pluridisciplinaires.

Bérengère Valour est née en 1984. Elle vit et travaille à Lyon.
Joris Rühl est né en 1982. Il vit et travaille à Paris.

Colette Hyvrard CV

2009-04-18T05:40:00.000-07:00

Colette Hyvrard, La Grande Arche

Colette Hyvrard, Moins de 3000 francs par mois

Née en 1957 à Annecy

Vit et travaille à Paris

Enseigne la photographie à l’Ecole Supérieure d’Art du Havre

1976 – 1981 Ecole des Beaux - Arts de Saint - Etienne

1992 Maîtrise Arts Plastiques, Université de Paris VIII - Vincennes, à Saint - Denis

2000 DEA : L'art et la photographie Université de Paris VIII - Vincennes à Saint - Denis département philosophie sous la direction de Jacques Rancière

depuis 2005 Enseignante à l’école des Beaux – Arts du Havre

Expositions personnelles

2008 Lointains, Musée Barois, Bar-le-Duc

Collège A.Chatelet, Douai (dans le cadre de l’eroa, espace de rencontre avec l’œuvre d’art))

2006 Centre culturel Salvador Allende, Neuilly sur Marne

2004 Galerie Domi Nostrae, Lyon (Europa des villes)

2003 Espace d'Art Contemporain Les Roches, Le Chambon sur Lignon

Ecole Supérieure d'Arts, Lorient

2002 Galerie Barnoud, Dijon

1997 Galerie Barnoud, Dijon

1996 Ecole régionale des Beaux - Arts, Besançon

Le Quai, Ecole d'Art/Design de Mulhouse, Mulhouse

Le 19, Centre Régional d'Art Contemporain, Montbéliard

Maison d'Art Contemporain Chaillioux, Fresnes

1995 Galerie Oniris Barnoud Dijon

1994 Licorne, OVNI et autres chimères, galerie Emmanuel Perrotin, Paris

Expositions collectives

2008 Un mur, un trou, un visage, Huarte, Navarre, Espagne.

2007 Minimicronano, Galerie(…), Paris

Art de Ville, art de vivre, Louviers, France

Un mur, un trou, un visage, Maison d’Art Bernard Antonioz,Nogent-sur-Marne

2006 Urbi et orbi Biennale de la photographie et de la ville, Sedan.

10è quinzaine de la photographie nantaise, MCLA Passage Pommeraye,Nantes

(coll.MMD)

Les peintres de la vie moderne, MNAM Centre Georges Pompidou,Paris

2005 La nuit aussi est un soleil. Espace Lézard, Colmar (coll M.M.D)

L’ombre à la portée des enfants, Cité des sciences et de l’industrie, Paris

2004 Ecole des beaux-arts de Rennes (coll.MMD)

2003 Galerie Barnoud, Dijon

ABC, Bar-Le-Duc (collection M.M.D)

2002 Foire de Chicago (galerie Barnoud)

Galerie Mathieu, Lyon (coll.M.M.D)

Petites épiphanies à usages domestiques, galerie Domi Nostrae, Lyon

Collection 4, FRAC Alsace, Sélestat

2001 L'attente de rien, Strasbourg (coll M.D.D)

La part du rêve, Institut Français de Prague (coll.M.M.D)

2000 De l'ombre à la lumière, Bibliothèque Municipale de Lyon

1999 Mois de la photo, Dieppe

Iluzje optyczne, Wroclaw, Pologne

Institut Français, Tessalonique, Grèce

1998 Choix privé, Ecole Nationale des Beaux - Arts, Dijon

Le donné, le fictif, Centre National de la Photographie, Paris (coll.Caisse des Dépôts et Consignations)

1997 Galerie Domi Nostrae, Dijon

1996 Passions privées, Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, Paris

Photoatypie, Galerie Art et Essai, Université de Rennes II, Rennes

1995 Galerie du Quai, Ecole d'Art/Design de Mulhouse et de la Haute Alsace, Mulhouse

L'image de l'Europe, Chypre et Galerie Milos, Thessalonique

Galerie Georges Verney - Carron, Villeurbanne

Galerie de l'Ircos, Mulhouse, France

Art 26/96, Bâle, Suisse

1994 Fiac 94, Galerie Emmanuel Perrotin, Paris

Ghada Amer, Ann-Katrin Feddersen, Colette Hyvrard, Centre d'art contemporain, Parc Saint Léger, Pougues- les - Eaux, France

R.A.S, Galerie Analix B & L Polla, Carouge, Genève, Suisse

NICAF 94/ Galerie Emmanuel Perrotin, Yokohama, Japon

Cartes postales sonores, Emmanuel Perrotin, Paris

Smart Show, Emmanuel Perrotin, Stockolm, Suède

1993Maurizio Cattelan, Colette Hyvrard, Mark Wallinger, Galerie Emmanuel Perrotin, Paris

c/° Stéphane Olry, Paris

1992 c/° Stéphane Olry, Paris

1991 Participation au Manifeste de la Revue Eclair, c/° Emmanuel Perrotin, Paris

Revue Eclair, Studio de l'Ermitage, Paris

Atelier Les constructeurs, Saint - Ouen

1990 Revue Eclair, CREDAC, Ivry- sur - Seine

1989 Revue Eclair, Ménagerie de Verre, Paris

Collections publiques

Artothèques : Annecy, Auxerre, Lyon (Bibliothèque de la Part-Dieu), Nevers.

Collection de la Caisse des Dépôts et Consignations

Fonds Régional d'Art Contemporain, région Alsace

Fonds National d'Art Contemporain

Lycée Professionnel Agricole, Château - Chinon

Musée de l'Assistance Publique, Paris

Musée Barrois , Bar-le-Duc

Musée National d’Art Moderne, Paris

Collections privées(sélection)

Collection Neuflize Vie, ABN AMRO

Bureau d’études DUMAY, Sedan

Collection Madeleine Millot - Durrenberger, Strasbourg

Entretien avec S. Garbarg

2008-06-27T05:36:00.000-07:00

Sarah Garbarg, Building, 2005, bois, vis, peinture, dimensions variables

Leila Simon : Pourrais-tu me parler de Building (première et deuxième version) ?

Sarah Garbarg : Cette pièce est un peu particulière puisqu’elle a existé en deux version, ou plutôt dans deux formes distinctes qui sont finalement assez différentes l’une de l’autre. Je dis « a existé » puisque actuellement seule la deuxième version existe, l’autre ayant été détruite.

La première version est une série de maquettes de bâtiments, de différentes couleurs qui sont empilées les unes sur les autres.

C’est une maquette plutôt que véritablement une pièce. Elle m’a servie à déterminer un certain nombre de questions que j’ai ensuite approfondi dans la deuxième version telle que le dessin, l’utilisation de la couleur, la déconstruction, la relation à l’architecture, à l’archétype.

Cette première version est ce que l’on peut appeler une expérimentation. C’est une pièce que j’ai construite assez intuitivement, directement avec les mains sans passer par une intellectualisation ou conceptualisation. Je ne veux pas dire ici qu’une pièce construite expérimentalement est forcément une maquette. Projection, Castle in the air, Sans titre (maison plate à deux issues) sont aussi des pièces construites expérimentalement et que je considère comme abouties.

J’ai énormément manipulé et observé cette première version, cette maquette. Elle n’a jamais eut de forme fixe. Je pouvais utiliser deux, trois éléments ou une vingtaine, me concentrer sur la couleur, la ligne, la déconstruction. C’est une pièce qui, en quelque sorte, m’a servie d’outil.

La deuxième version est une pièce qui a été beaucoup plus réfléchie, et déterminée, intégralement avant la construction. Ce n’est pas la forme finale, ou installée, qui la détermine mais son propre système de construction. Building est constitué de deux séries de tasseaux réalisés dans des bois différents et dont les dimensions reprennent les normes de construction d’un bâtiment vide. Ces tasseaux sont fixés ensuite les uns aux autres par un système de boulon comme dans un jeu de construction. Il n’y a pas une manière d’organiser ces tasseaux ensemble et en ce sens building n’a pas la même forme d’un montage à un autre.

Dans la première version, la couleur était un recouvrement alors qu’ici elle vient du matériau lui-même. La référence à l’architecture était assez directe est simple, alors que, dans la deuxième, elle apparaît dans le système de mesure, les tasseaux, et donc dans l‘échelle de la pièce qui vient se confronter à l’échelle de son environnement.

Sarah Garbarg, +fine+haute+basse+large, 2006, aluminium poli miroir, 95,5x80x49,5cm

L. S. : Comment es-tu arrivé à réaliser +fine+haute+basse+large

S. G. : Dans cette pièce, on retrouve une référence à l'architecture, mais c'est un travail différent de Building qui est une pièce très proche du dessin. Ce qui m'intéressait dans ce travail c'était le rapport que pouvait entretenir la sculpture en tant que contenant et non pas en tant que forme. J’ai choisi de réaliser cette pièce dans une plaque d’aluminium la plus fine possible pour que la frontière entre l’intérieur et l’extérieur soit la plus infime possible. Le polissage du matériau me permet d’utiliser un jeu de miroir, qui à la fois démultiplie l’espace intérieur, et fait réfléchir l’espace environnant sur les parois extérieures. Un jeu de miroir qui joue donc sur deux rendus différents et presque contradictoires.

Cette situation : architecture- boîte - sculpture m'interpelle beaucoup. Elle apparaît pour la première fois dans +fine+haute+basse+large. Je l’ai reprise ensuite d’une manière différente dans Sans titre (maison plate à deux issues).

L. S. : Tu as évoqué le choix d'utiliser des normes architecturales pour réaliser la 2ème version de Building, pourrais-tu m'expliquer ce choix, quel parcours t'y a conduit ?

S. G. : La longueur des tasseaux va de 16 cm à 3 m. 16 cm correspond à la hauteur d'un pas d'escalier et 3 m est souvent la hauteur maximale sous-plafond dans nos intérieurs. Je me suis arrêtée sur un certain nombre de normes préétablies pour la construction d’un bâtiment, telles que l’on peut les trouver dans le « Neufret » par exemple. Et je parle ici seulement d’un bâtiment vide et non du mobilier. Il existe en effet quinze hauteurs ou largeurs différentes de porte par exemple selon l’utilisation des bâtiments et mon but n’était pas de les recenser toutes mais de choisir les plus communes. Même si ce système a beaucoup évolué, on retrouve un système de mesure commun à chaque bâtiment (pas d’escalier, largeur/hauteur de porte, de fenêtre, de couloir, hauteur sous plafond, sous fenêtre).

Ce système de mesure m’a permis d’emblée d’obtenir l’échelle finale de ma pièce et de créer une forte tension entre celle-ci et son environnement. La relation à l’espace dans lequel building se trouve se fait par cette relation de mesures et d’échelle. Les normes qui construisent building se retrouvent dans le bâtiment où elle est présentée

J’ai beaucoup pensé à Mel Bochner pour réaliser cette pièce.

L. S. : As-tu choisi de construire Building à partir d'un plan, d'un schéma que tu t-étais donné ou est-ce qu'à chaque reconstruction il prendra une forme différente ?

S. G. : Non, en effet Building (2ème version) prend des formes différentes à chaque fois qu'il est remonté.

L. S. : Avec cette pièce nous pouvons parler de jeu de construction, or nous retrouvons cette idée avec Castle in the air où pour la première fois les mots apparaissent dans ton travail.
Pouvons-nous voir un lien entre ces deux pièces, un jeu de construction ?

S. G. : Oui, en effet on retrouve l’idée du jeu et de la construction dans les deux pièces.

Le jeu induit une notion de recommencement, il est fait pour être refait, rejoué. Et c’est une idée que je défends dans la sculpture. L’idée de présenter un objet qui serait là uniquement pour lui-même ne m’intéresse pas.

Tout jeu a également ses propres règles, que je compare volontiers à l’établissement d’un système au sein d’une pièce. Mais un jeu est aussi un monde en soi, une façon de le représenter, de le rejouer, de se l’approprier.

La construction parce que c’est ce que je fais : je construis des objets, des pièces…des choses concrètes et matérielles. Et ce qui m’intéresse c’est cet état de construction, en construction. Ça rejoint la première idée du jeu : le recommencement. Dans building, en plus d’utiliser un système de fixation assez souple, le jeu de couleur vient perturber l’installation et en dessine une nouvelle. Dans castle les mots taillés dans des blocs, ne sont pas fixés les uns aux autres. L’empilement est donc très précaire. La vidéo, située en contre point, où l’on me voit actionner, jouer, avec ces blocs, ou briques, de mots, le montre. J’empile les mots jusqu’à ce qu’ils s’effondrent et je recommence. Se faisant, un texte se construit.

L. S. : Oui, construire, déconstruire, reconstruire, comme pour un jeu de légo ou de pièces qu'on empile les uns aux autres.

S. G. : La situation construction-déconstruction- reconstruction fait partie de ma propre réflexion ainsi que de mon parti pris concernant la sculpture, à ma propre définition de la sculpture. Je parle aussi de "dé-finir". Il est important que les pièces que je construis puissent ne pas être stables, pérennes, figées, qu'elles puissent se déconstruire, qu'il y ait une certaine fragilité... qu’elles induisent d’elle-même une possibilité de reconstruction, une ouverture.

Cette idée de construction n’apparaît pas seulement dans mon travail dans la référence au jeu de construction. Mais elle est peut-être la plus simple, la plus immédiate, la plus directe parce que matérielle.

D’une façon générale, mes pièces luttent avec la situation dans laquelle elles se trouvent. Je parlais de contenant pour +fine+haut+basse+large. Mais aussi de situations dans lesquelles mes pièces peuvent tendre à un certain effacement, à une disparition, ou à une certaine transparence au lieu.

L‘utilisation des mots participe aussi à une déconstruction, à une dé-finition. Je pense que chacun d’entre nous a un rapport, une distance différente au contact d’une image, d’un objet matériel ou d’un mot. On ne reçoit pas chacune de ces trois choses de la même manière, on ne met pas forcément la même distance non plus. Quand un objet se révèle être un mot, je pense que quelque chose se passe au niveau de cette distance. Peut-être que d’une certaine manière on peut dire que ça dématérialise l’objet. C’est assez complexe…

Sarah Garbarg, Briller-Absence, 2006, plexiglass miroir, 116 x 21 x 0,3 cm

L. S. : Qu'est-ce qui t'a amenée à utiliser les mots ?

S. G. : j’ai toujours eu un rapport très fort à l’écrit, à l’écriture et souvent ce sont mes lectures qui ont inspiré ou tout du moins influencé mes pièces. J’écris aussi et ce faisant, je suis toujours particulièrement attentive aux mots que je choisis. En essayant de voir où l'on peut être amené avec un minimum de mots, quel sens, quelle direction est ouverte, proposé. Le dictionnaire a toujours été mon premier outil même avant d’introduire des mots dans ma sculpture.

J’ai commencé à utiliser des mots au moment où je me suis posé la question de la représentation. Du choix de la figuration et, ou, de l’abstraction, et de la signification de ces choix aujourd’hui et pour moi. Les mots sont devenus une façon de résoudre et en même temps d'échapper à cette problématique. De choisir de poser la question autrement. Souvent j'écris des choses à la limite du visible qui flirtent donc beaucoup avec l'abstraction. Là où je suis la plus figurative c'est dans les pièces qui abordent l'architecture. Le fait d'être entre les deux me permet d'avoir une position que j'apprécie. Je désirais offrir une approche moins abstraite, plus réelle. Les mots me permettent aussi d'aller autre part. Ils jouent avec l’objet-sculpture, avec ce que l'on peut projeter dessus, ils vacillent. Une certaine ambiguïté en ressort et c'est ça qui me plaît.

D’ailleurs je viens de dire « j’écris des choses » alors que j’aurais du dire « je réalise des mots » mais c’est un sens qui est difficile à accepter. Si je dis, « je réalise des mots à la limite du visible » ça ne fait presque plus sens. Pourtant c’est ce que je fais : je réalise, je fais, je matérialise, je construis...

Sarah Garbarg, After the quake (blocks piled up along the streets like words fallen in disuse, 2006 (production Expodium), carton et scotch, dimensions variables.

L. S. : Comment as-tu choisis ces mots, ces citations (« Briller par son absence », « After the
quake »... ?

S. G. :. J’utilise des expressions, ou idiomes ( « Briller par son absence »); des citations (: « After the quake » ou « À reprendre depuis le début »); des mots que je vais isoler, (tel que « Entrer » et « relier-remplir »). À chaque fois, ces mots vont m'interpeller et feront sens quant à ma pratique et parce que je vais, à un moment donné, choisir de leur donner telle ou telle forme, telle ou telle matérialité. Par exemple, avec Briller-Absence nous sommes dans la problématique de l'être-là de l'objet et de la personne qui regarde, de leur implication, de leur justification. « À reprendre depuis le début » est une phrase qui m’a beaucoup accompagnée. Elle « clôture » le livre de Guy Debord ‘In girum’^¹et introduit l’idée d’un travail en boucle, de recommencement. En même temps, je mêle cette phrase à une barrière qui est l’objet-obstacle par excellence. « After the quake » est peut-être différent. J'ai enlevé les adjectifs de la phrase de Murakami^². J’ai élagué tout ce qui pouvait exprimer une qualité pour que la phrase puisse avoir la signification la plus large. « Des blocs empilés le long des rues comme des mots tombés en désuétude ». Outre la poésie de la phrase, la référence aux « blocs » m'a fait fortement penser à Deleuze et dès lors a induit plusieurs niveaux de lecture.

Je mélangeais les mots à l’intérieur de la phrase, un peu à la façon du maître de philosophie dans le bourgeois gentilhomme, et finalement peu m'importait leur emplacement, cette phrase voulait toujours dire quelque chose et bien évidemment le sens évoluait différemment. C'était à la fois un paysage concret mais aussi mental.

En ce qui concerne les mots isolés, ce sont pour l’instant des verbes et ils décrivent donc des actions. «Entrer » est une sculpture posée au sol, presque à ras du sol, que l'on peut écraser facilement, qui est donc fragile.

L. S. : Lors de l'exposition « Build'in » en 2007, à Nantes, tu as présenté des cartons dans lesquels tu avais dessiné des architectures (Sans titre (maison plate à deux issues)). Pourquoi as-tu choisis de travailler avec des cartons ?

S.G. : Ce sont des cartons de déménagement, des boîtes qui servent à un moment donné pour un transport. Il y a l'idée d'économie de moyen qui s'en dégageait. Mais surtout le côté temporaire, en état de transition ; une précarité plus temporelle que matérielle….et bien sûr la boîte, le contenant.

L. S. : Le carton offre l'idée de contenant et en même temps tu as dessiné une architecture, donc un contenant, à l'intérieur de cette « boîte ». L'idée des poupées russes s'est présentée à moi, on ouvre un contenant pour en trouver un autre et ainsi de suite. Nous avons l'impression que l'architecture représentée dans ce carton est plus fragile que ce carton qui la contient, la protège. Nous appréhendons différemment le carton et le dessin, nous tournons autour pour avoir divers points de vue... Quelle était l'idée maîtresse de ce travail ?

S.G. : L’idée de départ, avant toute tentative de réalisation, était bien sûr ce rapport architecture-boite-sculpture mais aussi utiliser le dessin pour « fermer » la boîte. La boîte en carton est présentée ouverte, posée au sol. Le dessin, la représentation de l’architecture, quant il est vu du bon point de vue (celui qui permet la reconstitution de l’image), vient « fermer » cette boîte, ou du moins en donne l’impression. Le dessin ferme la forme ou la remplit. La pièce vacille entre une forme ouverte, un vide, et une forme fermée, un plein, selon les points de vue.

Le fait de représenter une architecture et de la dessiner au lieu de la former provoque des contradictions, des tensions entre dessin et sculpture, fragilité et solidité, et un rapport d’échelle « retournée ». Pour reprendre ton idée, des poupées russes dont on ne connaîtrait ou ne reconnaîtrait pas l’ordre d’emboîtement.

L.S. : Tu nous as parlé de ton goût de flirter avec l'abstraction, peux-tu expliquer pourquoi ce choix lorsque tu travailles avec le langage ?

S. G. : Je fais avant tout de la sculpture et ce qui m'intéresse c'est l'objet. Cette présence matérielle qu'on peut avoir devant les yeux, qui occupe un bout de notre espace, qui cohabite avec nous. Si le mot est immédiatement reconnaissable ça ne m'intéresse pas, car il n'y a plus de place pour l'objet. Cependant je reprends toujours le mot ou la phrase énoncée dans le titre. Je souhaite quand même qu’il y ait une possibilité de le ou la lire, que ces mots puissent faire sens.

Le titre, en se référant à la pièce, n'est pas juste une annonce. Le travail sur le titre m'intéresse, il vient joindre les deux bouts et forme la boucle. Ça me permet de souligner ce mouvement de rapport à l’objet, à l’œuvre entre visible et lisible. C’est-à-dire cet espace fluctuant qui existe à travers la perception et la distance que l’on peut avoir ou mettre entre une présence matérielle : un objet, et un apport conceptuel, signifiant : un mot. C’est important pour moi que cet espace qui existe entre un regardeur et un objet regardé puisse varier, qu’il ne soit pas fixe, peut-être pour qu’on ne puisse pas le contrôler et permettre ainsi à l’œuvre d’œuvrer.

1* Guy Debord « In girum imus nocte et consumimur igni » . Gallimard 1999 (1^ère édition en 1990)

2* Haruki Murakami « after the quake » (titre français = « après le tremblement de terre ».Publié en 2002 chez 10/18.Traduit du Japonais par Corine Atlan. Titre japonais : 神の子供たちはみな踊る (Kami no kodomo-tachi wa mina odoru) Le titre original signifie: Tous les enfants de Dieu savent danser, titre de la troisième nouvelle du recueil qui en compte six). Je ne me souviens plus du titre de la nouvelle dont est extraite la phrase.

Mako Ishizuka CV

2008-06-23T09:53:00.000-07:00

Née en 1974 à Kobe, Japon
Vit et travaille à Stockholm

Formation

2003-2005 Malmö Art Academy, Malmö (S) [M.F.A.]
2002 Goldsmiths’ College, London (UK) [visiting programme]
2000-2003 Gerrit Rietveld Academy, Amsterdam (NL) [B.F.A.]
1993-1997 Kobe College, Kobe (JPN) [B.A. in Literature]

Expositions personnelles

2006 Galleri Ping-Pong, Malmö (S)
Galleri Mejan, Stockholm (S)
2005 Galleri Peep, Malmö (S)
Pictura / Skånska konstmuseum, Lund (S) [part of Malmö-Lund Photo Biennale 05]
2004 Expositieruimte Moira, Utrecht (NL)
2002 Cholmley Gardens, London (UK)
2001 Galerie Caesuur, Middelburg (NL)
NICC Viewpoint, Bruges (B); Knokke-Heist (B); Middelburg (NL)

Expositions collectives (selection)

2007 Non-place, Restricted Art Zone, Bruges (B)
Ghost Trax, PAD, Verona (IT)
Reflektioner av rum, Galleri Andréhn-Schiptjenko, Stockholm (S)
Verk av stipendiesökanden, Kungliga Akademien för de Fria Konsterna, Stockholm (S)
Vårsalongen, Liljevalchs Konsthall, Stockholm (S)
2005 Östersunds Konstvideofestival, Jämtlands Läns Museum, Östersund (S)
Skånes Videofilmfestival, Röda Kvarn, Helsingborg (S)
There are no more Allan Kaprows in the art world, Silo, New York (US) [projectwith Stephan Pascher et al.]
2004 Beep, Galleri Peep, Malmö (S)
Skånes Videofilmfestival, Röda Kvarn, Helsingborg (S)
GallerinattsNatten, Cirkulationscentralen, Malmö (S)
2003 Handla, Konsthögskolan i Malmö (S) [project with Stephan Pascher et al.]
Encounters, Artwalk Amsterdam, Amsterdam (NL)
Guidance Last Edition, de Oude Kerk, Amsterdam (NL)
2002 Eva, Venus, Madonna -Beelden van Vrouwelijkheid-, Voormaar Kloster,Maasmechelen(B)
As Isn’t, Cady’s Alley, Washington DC (US)
2001 De Avond van de Langste Nacht, SJU, Utrecht (NL)
Kunstcircuit De Slang, Hotel Navarra, Bruges (B)

Prix

2007 Grant for Young Promising Artist’s Practice Abroad, Agency for Cultural Affairs (JPN)
Cultural Stipend, Malmö City (S)
2006 Grant for Artist’s Practice, Nomura Cultural Foundation (JPN)
Monumental Art Project Programme, Kungl. Konsthögskolan, Stockholm (S)
2005 Assistant Grant, Konstnärsnämnden (S) [assistant to Matts Leiderstam]
Berlin Studio Grant, Malmö Art Academy (S)
2004 Grant for Artist’s Practice Abroad, Pola Art Foundation (JPN)
Berlin Studio Grant, Malmö Art Academy (S)
Project Grant, Malmö Art Academy (S)

Bibliographie

Anders Olofsson, ”Rum för rum” Konsten, May 2007, Sweden
Lars-Erik Hjertström Lappalainen, “Minnen av ett par glasögon” Konsten, December 2006, Sweden
Jelena Zetterström, “Egna historier” Sydsvenskan, 12 December 2006, Malmö
Stephan Pascher, ”Handla: Refiguring Private and Public Space” MERGE, #13, 2004, Stockholm/London/NY

Archives
National Public Art Council, Stockholm (S)
Signal, Malmö (S)

Entretien avec B. Derel

2008-06-23T01:48:00.000-07:00

Peinture-objet (frigo), 2005, 90x60x70cm, frigidaire, bois peinture acrylique.

Leila Simon : Quelle est l'origine de tes « Peintures-Objets » ?

Bertrand Derel : L'origine de mes « Peintures-Objets » est assez simple. Quand j'ai commencé à l'école des Beaux-arts, je travaillais essentiellement la peinture ; c’était une peinture abstraite faite de dégoulinures, de bavures. Cette fascination pour l’informe s’est petit à petit désagrégée du fait que cette pratique était centrée sur une esthétique et non sur un réel questionnement. L’épuisement de cette peinture dû sans doute à l’aisance du geste qui la produisait a finit par tourner en rond pour ne plus rien produire d’intéressant. Alors très vite il m’a fallu faire une refonte dans ma pratique et ses bases pour en extraire un véritable questionnement. Ainsi et progressivement, certains éléments de ma peinture ont commencé à prendre plus d'importance. La relation entre la peinture et ce qu’elle représente en tant qu'objet commençait à naître dans mon esprit ; ce qui me plaisait dans la peinture, ce n'était pas tellement ce que je peignais mais la notion de peinture comme objet et la relation qui s’opère entre l’idée de représentation qu’elle peut véhiculer et la perception des éléments qui la constituent (c'est-à-dire comment le châssis, les liants, les pigments, la toile peuvent être synonyme ou l’écho d’une pensée alors que l’utilisation de l’abstraction amène plusieurs niveaux de lectures et de sensibilités.)

À partir de là, j'ai divisé mon travail en deux voies. J'ai commencé d’un côté à traiter la peinture, avec l'envie de représenter mon appréhension de ce qui m’environne et non pas de le figurer, et donc aussi de montrer à quel point la peinture était conditionnée par toutes les choses qui entourent celui qui l’a fait. Ainsi cette peinture devenait pour moi une sorte de miroir du réel ou convergeait non pas les formes, les couleurs etc. mais les tensions, les énergies mises en jeu entre les objets qui m’entouraient et moi. Il me fallait arriver à quelque chose qui fait que cette sensation et cette idée d’objet soit prises à bras le corps dans l’espace mental de la peinture. C'est ainsi que cette série sur les Peintures-Objets est arrivée. J'ai voulu mettre en évidence les relations qui existent entre la peinture, l'objet et celui qui est au milieu ; la représentation mentale et physique qu'on pouvait se faire de l'objet devenait plus complexe et réflexif. L’œuvre devenait l’objet et l’objet, l’œuvre.

Pour cela, il me fallait des objets sans valeur esthétique réelle mais plutôt des objets empreints d’une valeur utilitaire. J'ai donc choisi des objets quasi-nécessaires dans le fonctionnement normal d’un foyer occidental moyen tels qu'un frigo, un radiateur etc.

À partir de là, j'ai commencé à créer des blocs qui étaient censés êtres des châssis au départ et qui reprenaient exactement les mêmes dimensions que l'objet considéré. Le bloc et l'objet étaient confrontés en étant l'un en face de l'autre pour mettre en exergue que le châssis devait être l'objet et vice-versa. Ainsi, une sorte de jeu se créer entre les deux qui devait manifester le côté objectal de la peinture.

Pourtant et d'un autre côté, mon travail aboutissait à un résultat complètement opposé plat et évidé avec les murales

L.S. :Est-ce qu'à l'intar, de Duchamp, tes « Peintures-Objets » sont une contestation de la
peinture?

B. D. : Il ne me semble pas que ce soit franchement une contestation, car finalement c'était pour en revenir à la peinture à proprement parlé. J'avais une peinture qui me dépassait et à ce moment-là les seules choses que j'arrivaient à maîtriser c'était la construction du châssis, des entretoises, etc. J'avais l'impression de n'avoir aucune maîtrise sur la peinture que je déposais sur la toile. Ce qui fait qu'à un moment donné j'ai voulu me réapproprier la peinture en passant par l'objet. Pour moi, ce travail est devenu une sorte de trompe-l'oeil mental, entre la peinture d'un côté, l'objet de l'autre. Au départ, je souhaitais vraiment réaliser un travail pictural, de l'ordre de l'image, mais cette peinture et cet objet se sont unis en un ensemble, qui devenait sculptural alors que je n'avais pas du tout cette idée en tête. Puis, ces « Peintures-Objets », qui au départ étaient posées au sol, ont été remises progressivement au mur. En les accrochant au mur, j'ai l'impression de m'approprier plus

l'objet en tant que tel dans le domaine de la peinture. Finalement cette verticalité était une réponse assez simple. L'objet + le bloc se marient mieux dans cette situation bien que pour moi le domaine de la peinture ne se circonscrit pas seulement au mur.

L.S. : Justement tu parles de peinture, alors qu'au sens traditionnel du terme, elle est absente de cette série « Peinture-Objet » ?

B. D. : Comme je l'évoquais tout à l'heure, mon travail a dévié de deux manières, au début je

réalisais des peintures sur châssis puis j'en arrive à cette série.

La première, c'est le fait d'avoir mis de côté l'objet-peinture, c'est-à-dire le châssis, la toile pour réaliser les peintures murales, c'étaient des espèces de grandes formes géométriques

complètement planes, déshumanisées, totalement désincarnées. Et à côté de ça, je ne sais pas pourquoi, je désirais créer un travail qui me permettrait de créer quelque chose plus en rapport avec le corps, de prendre dans le réel des choses communes au corps et qui en facilite l’existence, tel qu'un radiateur par exemple et en donner quelque chose de totalement mental , pictural. J'en suis venu à me demander qu'elle était la meilleure manière pour moi de représenter un objet pictural, c'était de le représenter en 3D. Etant donné que je vois plan car je suis borgne c'était la meilleure manière pour moi de me représenter l'objet. Mes objets sont nés à partir de ce moment-là. C'était important pour moi que ce soit des peintures, car ils sont nés sous la dénomination peinture, je les ai pensé en tant que peinture et non en tant que sculpture. Pour moi, ils étaient d'abord picturales, des images. Alors que dire de la peinture au sens traditionnel du terme ? Non je ne fais pas de peinture dans ce sens mais c’est elle qui m’a conduit à avoir ce type de pratique et aussi à m’ouvrir à de nouvelles pratiques auxquelles je ne pensais pas me frotter.

Pergolat, 2007, 300x850 cm, bois, peinture acrylique.

L. S. : Quelle est justement l'origine de tes peintures murales ?

B. D. : J'ai réalisé les murales pour m'extraire complètement, extraire ma main. Au départ, c'était assez formel, assez physique. J'avais besoin de représenter de grands espaces de couleur qui me mettaient mal à l'aise dans l'espace dans lequel je les montrais. C'était assez important pour moi qu'elles soient très grandes et quand même temps, elles génèrent un espace alors que tout est plan. C’était une sorte de pendant à la 3D des peinture-objets ; Une réponse presque binaire au fait que ces objets étaient considérés par beaucoup comme sculpture. Je voulais d’une certaine manière faire de la 3D avec de la 2D.

Je me suis servi pour cela des techniques du bâtiment. J'avais l'impression que mon image plane devait avoir de la profondeur. Et d'ailleurs maintenant les murales sont accompagnées d'un relief qui modifie l’architecture du lieu où elles sont faites pour justement accentuer cette idée que le plan n'est pas forcément plan et que la peinture même « classique » à aussi un corps. Bien qu’elles soient planes frontalement, elles ne le sont pas transversalement ; quand tu les parcours du regard sur leur longueur ce relief met en exergue qu’une peinture se parcourt dans un espace qu’il soit mentale ou non.

Vert-Orange-Fluo, 2004, 400x140 cm, tube fluorescent, bois, peinture acrylique

L. S. : Pourquoi incluais-tu des néons à tes murales ?

B. D. : C'était au tout début, je ne savais pas très bien où me situer, cet ajout est vraiment le pont entre ces deux travaux ( Peintures-Objets et murales). Les murales qui utilisent des néons se trouvent entre ces deux travaux, ça peut être une peinture-objet mais aussi des murales. Il y a l'objet (le néon) et la peinture. Les lampes interviennent aussi pour donner aussi cette notion de trompe-l'oeil dont je parlais précédemment pour les « Peintures-Objets ». Mais je n'étais pas entièrement satisfait du résultat, je voulais créer un pan de lumière, bref les choses n'étaient pas très claires à ce moment-là, ce qui fait que petit à petit les lumières ont disparu et que les objets sont devenus des blocs, des objets au sol et les peintures se sont vidées d'objet, pour être seulement des peintures murales. Il y avait aussi cette idée somme toute triviale que la peinture était faite aussi de lumière. C’était une sorte de manifestation concrète de cette idée préconçue.

L. S. : Dans une murale tu insères un châssis, puis il disparaît dans les suivantes. Est-ce que tu avais du mal à t'en séparer, en avais tu encore besoin ?

B. D. : Oui en effet, c'était au tout début, c'était la 2ème, c'était comme une sorte de piqure de rappel. D’ailleurs encore maintenant cette relation que j’ai avec le chassis est ambivalente ; ma pratique l’a écarté pourtant je continue d’en acheter et les gardes précieusement. Peut être que c’est une sorte de fétichisme…

L. S. : Lorsque tu réalises Pergola en 2007, te sens tu proche du travail de Felice Varini ou de Georges Rousse ?

B. D. : Pas franchement. Leurs travaux cherchent à montrer, à imposer d'une certaine manière un point de vue, l'arythmie peut se créer quand le point de vue n'est pas le bon dans leurs œuvres mais si l’on veut voir leurs pièces dans leurs intégralités, un seul endroit convient. En ce qui me concerne, je préfère croire qu’il n’y a pas de point de vue unique. Appréhender une pièce par la lorgnette d’un point de vue unique est intéressant mais réducteur et je crois que cela peut déboucher sur certaines dérives que je ne pourrai pas assumer.

L. S. : Te qualifierais-tu « d'architecte d'un espace intérieur » lorsque tu réalises Pergola ( Création d'un univers, d'un nouvel espace par la peinture )?

B. D. : Non pas vraiment ce qui m'intéressait c'était de créer une sorte de trouble dans la perception de l'espace, pas forcément de créer un univers. Je voulais me servir de l’architecture présente comme support à ma peinture pour souligner le fait que celle-ci (l’architecture) peut être perçu autrement que comme architecture. Pour moi, la réalité de l’architecture est qu’elle est le support de ce que nous vivons, elle porte nos modes de vie et nous soulage des contraintes extérieures. De fait, elle devient pour moi l’équivalent d’une feuille blanche sur laquelle se dessine de nouveaux espaces. Un dessin peut agrandir le format physique d’une feuille par la manière dont les traits nous projettent dans un ailleurs. Evidemment, il est question dès lors d’univers mais ceux-ci sont créer par celui qui regarde la peinture. Comme je l’ai dit, je ne souhaite pas instituer un point de vue, car je pense que tout est à voir de n'importe quel point de vue et par tous les regards.

Cela me fait penser à une pièce que j'ai faite qui est une sculpture d'angle, deux triangles posés dans un angle, enduits et peints de la même couleur que le mur, c'est donc une pièce qu'on remarque presque pas, sauf si on regarde au niveau du sol. Quelque chose vient donc perturber la lecture de l'espace, elle semble être constitutive de l’architecture pourtant c’est un élément rajouté qui biaise l’architecture et permet une relation nouvelle à celle-ci. De la même manière, les murales avec les fluos ( je pense à « vert-or-fluo » en particulier) décale les limites de l’espace. Le châssis qui est porté dans l'angle à 45°, la lumière éclairant le bord opposé du châssis dessine une ombre sur le mur, ceci offre l'impression que l'endroit où se trouvait l'angle de la pièce n’est plus derrière le châssis mais sur son bord. Il y a quelque chose comme-ça qui trouble la lecture de l'espace, la plupart du temps, mes peintures sont liées à cette idée, générer quelque chose de pas normal, une lecture de l'espace troublée qui bouscule les limite du lieu, décale les angle et pousse les murs...

Portrait X, 2008, 120x50x60cm, bois, enduit.

L. S. : Et en ce qui concerne les portraits...

B. D. : Ma série des portraits est venue quelques temps après les « Peintures-Objets ». En fait mes « Peintures-Objets » m'ont amené à créer des châssis de plus en plus élaborés et ils sont devenus presque malgré moi des sculptures. C'est pour ça que mes « Peintures-Objets » sont revenues au mur et que j'ai un travail de sculpture à côté de ça maintenant. Ce qui est assez rigolo, c'est qu'à ce moment-là j'avais un gros souci avec mes peintures murales qui me posait énormément de problèmes. Mes peintures étaient totalement désincarnées, elles étaient froides, ce que je désirais au départ, mais je ne me retrouvais plus dedans. J'aurais bien pu faire réaliser ces peintures par n'importe qui et cette idée ne me plaisait pas. L'idée de la main, de son geste était absente. Or, l'idée d'incarner une pièce ou plutôt d’y retrouver la trace de la main me stimulait plus.

Je travaillais avec le contre-plaqué pour faire mes « Peintures-Objets » et compulsivement j’ai eu le besoin ou l’envie de presser du contre-plaqué en bloc pour me donner un matériel nouveau. J’espérais par là arriver à quelque chose de neuf d’où pourrait surgir de nouvelles pistes. Petit à petit, je me suis mis à identifier ces blocs comme pour pallier au manque charnel de mes murales sans pour autant en faire quoique ce soit ; la stratification du C.P., le côté vivant du bois, la couleur presque peau de ce bois, tout me ramenais dans ces blocs à des tranches d’epidermes. Par ailleurs cette idée de portrait me tarrodait, traiter le portrait était sans doute pour moi inévitable. J’avais le sentiment qu’il fallait que je transpose ma ligne de travail des peintures-objets à du vivant. Faire en sorte que cette relation que je traitais entre les objets et la peinture puisse être transposable avec les personnes et la peinture. Dès lors, j’ai établit une règle : La planche de C.P. pouvait être quelqu'un, donc elles se devaient d’avoir les mêmes largeur et hauteur. Cette planche-mère était ensuite divisée en rectangle dont les dimensions dépendaient du visage de la personne considérée. Une fois que j'ai obtenue cette série de petits rectangles, je les ai collés et pressés les uns aux autres. J'ai poncé tous les bords et j'ai fait un enduit sur le devant du bloc accroché au mur. Le bloc en question était accroché à hauteur du visage de la personne à laquelle je pensais. Cet enduit, de la même couleur que celle du mur, se fondait dans le mur et réciproquement. La profondeur de cet objet se voyait selon où l'on se plaçait. L'impression qui en ressortait était assez incernable, car les blocs étaient constitués de faces planes mais dont aucunes seraient parallèles. Ce n'étaient pas des pavés droits, ni des cubes... Au départ, je les nommais « Incernables portraits » parce que je voulais indiquer que la frontalité du portrait (matérialisé en surface par l’enduit) laissait supposer aussi par le côté massif du bloc de C.P. toute la complexité qui existe entre l’artiste et son modèle bien que ce questionnement soit sans ringard à l’heure actuelle.

L.S. : D'où ton choix pour un enduit de la même couleur que celle du mur où le portrait sera

accroché.

B. D. : Une personne est imperceptible et perceptible, on en a seulement une idée

L. S. : Comment as tu choisis les volumes, la forme de ces portraits ?

B. D. : De façon totalement subjective, c'est l'idée que je me fais de cette personne. La forme vient progressivement sans être assujetti à un système. Elle se fait empiriquement et est fonction de facteur que je ne contrôle pas forcément ; la manière dont le bloc est pressé, les capacités des outils de coupe et de ponçage mais je m’arrête de le travailler quand il me semble que la forme corrobore à la personne à laquelle je pense.

L. S. : As tu des projets actuellement ?

B. D. : Oui, de réaliser peut-être toute une série de portraits, un portrait de groupe, de ville. Je ne sais pas encore quelle forme ça va prendre, peut-être une espèce de micro-architecture. Je ne sais pas encore trop ce que ça va donner mais surtout je veux faire en sorte que cette règle de base ne soit pas un enfermement.

Il y à aussi les peintures-objets qui évoluent vite en ce moment de par cette nouvelle verticalité mais aussi par le choix des objets qui se clarifie petit à petit. Les murales aussi et de nouvelles séries de sculptures qui découlent des portraits. Enfin tout cela sera visible très bientôt.

Bertrand Derel CV

2008-05-20T06:01:00.000-07:00

Vue d'ensemble de l'exposition TORUS dans la galerie MBprospect, Berlin janvier 2009

né en 1977
vit et travaille à Paris

Formation

2007 TERRA SUMMER RESIDENCY, residence, Giverny, France
2005 DNSEP-Diplôme National Supérieur d’Expression Plastique. Ecole des Beaux-Arts de Nantes, France.
2003 DNAP-Diplôme National d’Art Plastique. Ecole des Beaux-Arts de Nantes, France.

Expositions personnelles

2008 Torus, Marc Berville Prospects, Berlin, Allemagne
2007 Le jour de la sirène, ATELIER de C. CUZIN, Paris, France
2006 First floor, one step, GALERIE MBPROSPECTS, Paris, France
2005 Projet container, ECAV, Sierre, Switzerland

Expositions collectives

2008 Build’in, ATELIER ALAIN LE BRAS, Nantes, France
2007 Les ronds points de novembre à Saumur, Vague IV, Saumur, France
Terra summer residency, Giverny, France
Where is my sight, where is my site ?, ESPACE EUGENE BAUDOIN, Antony, France
2006 Le jour de la sirène 3, ATELIER de C. CUZIN, Paris, France
Mais où est passé le youkounkoun, HALLE ALSTOM, Nantes, France
2005 Avis de recherches, LIEU UNIQUE, Nantes, France
2004 Format A4, ERBAN, Nantes, France
Beau trait fatal, ERBAN, Nantes, France
2003 Assez loin, ESPACE COSMOPOLIS, Nantes, France
Créma de papucci, GALERIE ATASC, Cluj-Napoca, Roumania
2001 Pontage, ERBAN, Nantes, France

Pubilcation

2007 L’art contemporain à Nantes, Revue 303 hors série
Catalogue des Ronds-point de Novembre
Catalogue Where is my sight, where is my site?
2006 First floor, one step, galerie MBPROSPECTS, Paris
2004 Beau trait fatal, Revue 303

Sarah Garbarg CV

2008-05-20T05:31:00.000-07:00

Building (2ème version), 2006, sipo, châtaignier et boulons, dimensions variables

Née en 1982,
Vit et travaille à Paris.

Formation

2006 D.N.S.E.P, (Diplôme National Supérieur d’Expression Plastique), option art, obtenu avec les félicitations, Erban, Nantes.
2005 ECHANGE H.K.U, Utrecht, Hollande. Février à juin.
2004 D.N.A.P, (Diplôme National d’Art Plastique), option art, obtenu avec mention, Erban, Nantes.
2000 BACCALAUREAT littéraire, mention bien, Paris.

Prix

2007 PRIX DU PUBLIC, festival « une bobine » Festival de film expérimental super8,Decalprod, Les Voûtes, Paris, France.
2006 1er prix de la BOURSE BMW pour le développement durable : financement pour la
création d’un atelier de production artistique.

Expositions personnelles

2009 LE PAVILLON, Pantin, France. Mai.
2008 GALERIE SYCOMMORE ART, Paris, France. Décembre.

Expositions collectives

2010 Le village, avec Delphine Lecamp, CENTRE DE CREATION, Bazouges-la Pérouse, France.
2008 GALERIE RAPINEL, petites pièces et séries limitées, Bazouges-la Pérouse, France. Juillet.
TRAVERSEE D’ART, Saint-Ouen, France. Mai-juin.
SP ARTE SAO PAULO 2008, foire internationale, Sao Paulo, Brésil. Avril.
2007 Build'in, ATELIER ALAIN LEBRAS, Nantes, France. Sur une proposition de MPVite. Décembre.
2006 So Fresh exciting ! #3, EXPODIUM platform voor jonge kunst, Utrecht, Hollande.
Sept- oct.
2005 Mais où est passé le youkounkoun ?, Erban, HALLE ALSTOM, Nantes, France. Nov-dec.
So Fresh exciting ! #1, EXPODIUM, platform voor jonge kunst, Utrecht, Hollande. Sept-oct.
2004 A4A11, FELIX-THOMAS, Nantes, France. Décembre.
Beau trait fatal, Erban, Nantes, France. Oct-nov.
2003 Portes ouvertes d'ateliers d'artistes, invité par Manuel Camarguo, Les Frigos, Paris, France. Juin

Evénements

2007 Festival une bobine (projection), LES VOUTES, Paris, France.
2006 Static Movement / Fiction Documentary, GALERIE CASCO, Utrecht, Hollande.
2003 Courant d'art, FESTIVAL DE ROYAUMEIX, France.
Bug'n'mix, streaming organisé par LE MAGASIN de Grenoble.

Publications

2007 OUEST-FRANCE n°19237, 14 décembre, « Build’In ou l’art de demain ».
2006 SO FRESH, EXCITING ! Catalogue de l’exposition à Expodium, Utrecht, Hollande.
2005 303 n°85, mars, sur l’exposition Beau Trait Fatal, ill. p 19.
2003 MAGAZINE n° 21, octobre-novembre, p58-59, « temps ne passait plus ».
LE TEMPS NE PASSAIT PLUS, nouvelle, éditions la Belle Ecole, Nantes.